Autore: Redazione

Nilufar Gallery e Gal Gaon sono lieti di presentare ‘SIX’, una nuova serie di tavoli collide in legno. Al cuore di questa collezione risiede l’uso innovativo di due ellissi in collisione che creano le gambe di un tavolo da pranzo che raggiunge una lunghezza di 6 metri.

Nato nel 2022, questo nuovo concetto di tavolo collide si spinge oltre i confini dei classici tavoli da pranzo proiettandosi in una dimensione di nuove misure. Un tavolo unico realizzato in legno della più alta qualità, in cui ogni pezzo è un’opera d’arte in sé. I piani sono tagliati accuratamente e curvati a mano in un’elegante forma ellittica, fluttuando su tre gambe doppie e aggiungendo un tocco di ricercatezza ad ogni spazio. Creando una silhouette dinamica e visivamente accattivante che cattura immediatamente lo sguardo, le gambe, formate da due ellissi incrociate, rappresentano il leitmotiv della collezione. La loro collisione è perfettamente eseguita dando vita a un collegamento stabile e continuo tra le gambe e il piano.

Mediante l’impiego di legno di noce americano scuro, forzando la geometria e attingendo al mondo del fenomeno naturale dei cristalli, Gaon interpreta un nuovo modo di lavorare il legno come materiale naturale per enfatizzare un ambiente ‘non-naturale’. Al centro di questa serie vi è un profondo apprezzamento della natura della fisicità cosmica della collisione: l’attimo in cui nasce ogni nuova cosa. Questo è il momento in cui il design si contrappone all’arte, la natura alle creazioni umane e la tecnologia all’artigianalità.

Questa nuova serie offre ad architetti e designer la capacità di giocare con i pezzi della linea collide in un’ampia gamma di impieghi e identità visive. L’utilizzo del legno apporta calore e bellezza naturale al design rendendolo perfetto per interni contemporanei e classici. Ciò che contraddistingue SIX rispetto agli altri tavoli in commercio è il design sorprendente e non convenzionale delle gambe, che consente di realizzare qualsiasi misura desiderata. Ogni cliente può ottenere un pezzo unico realizzato su misura in base alle proprie esigenze.

SIX rappresenta l’esempio perfetto della sperimentazione effettuata da Gaon negli ultimi anni sui tavoli di grandi dimensioni. Come architetto, Gaon gioca con le scale e i volumi dei suoi tavoli unici donando a ognuno di essi un segno scultoreo distintivo.

ARTHUR ARBESSER | GUBI FUORISALONE 2023 – TEN: BEYOND THE BEETLE

Dal 18 al 22 aprile, negli iconici Bagni Misteriosi di Milano, GUBI celebra il primo decennale della Beetle Chair, sedia realizzata nel 2015 dal duo italiano danese GamFratesi, diventata un vero classico del design.

La mostra TEN: BEYOND THE BEETLE, ideata con il curatore e critico di design Marco Sammicheli, riunisce menti creative da tutto il mondo e offre loro piena libertà di esprimersi sulla Beetle. 

Ciascuno dei dieci personaggi partecipanti ha lasciato libera la propria creatività per reinterpretare al meglio la Beetle Chair, abbracciando molteplici discipline, dalla scultura e la ceramica, all’installazione e all’illustrazione, fino al design di luci e suoni.

L’opera “Oca Chair” presentata dallo stilista Arthur Arbesser rende omaggio al maestro del design italiano Enzo Mari. Arbesser ha trasformato la seduta e lo schienale della Beetle nel becco schioccante di un’oca, mentre la base richiama il panettone di cemento di Mari sparsi in tutta la città di Milano. In collaborazione con l’artigiano italiano Alan Zinchi, Arbesser ha realizzato la Oca in legno massello, con una seduta originale Beetle rivestita in tessuto arancione brillante.

ARTHUR ARBESSER | RADICI

In occasione del Salone del Mobile 2023, Radici presenta una serie di nuovi design per pavimentazioni tessili firmati da importanti nomi del mondo del progetto e della creatività.

Arthur Arbesser ha realizzato per Radici due nuove stampe Tartan Doodles e Sponge.

Lo stand di Radici sarà visitabile in fiera dal 18 al 23 Aprile (hall 14 – Stand E26).

Tartan Doodles disegnato da Arthur Arbesser è un sovrapporsi dinamico di diversi layer, come una stratificazione di mondi e visioni che invitano a perdersi in una dimensione spazio-temporale parallela, trovando a ogni sguardo nuovi dettagli, forme e interpretazioni.
“In Tartan Doodles – racconta Arthur Arbesser – ho deciso di mixare un pattern legato alla classicità e al decorativismo tradizionale – il tartan rosso – con qualcosa di insolito e di inaspettato: un disegno più istintivo, uno scarabocchio.” Come suggerito dal nome stesso, in Tartan Doodles troviamo infatti la celebre fantasia scozzese che, con il suo incrociarsi di righe verticali e orizzontali, crea un gioco di trasparenze lasciando intravedere il pattern irregolare sottostante che ricorda gli scarabocchi, in inglese ‘doodles’.

La vivacità del disegno è ulteriormente evidenziata dalla scelta delle tonalità predominanti: il rosso e il blu, dal cui contrasto nasce un cromatismo che risulta in una grande forza espressiva. A fare da sfondo, un rosa profondo che accentua ulteriormente la profondità del pattern. In Sponge, Arthur Arbesser reinterpreta uno dei classici del design: il bianco & nero. Il fashion designer sceglie però di rompere la tradizione minimal che contraddistingue questa tendenza dando vita a un pattern rigorosamente irregolare. Partendo da uno schema molto geometrico che richiama quello degli scacchi, Arthur Arbesser crea un pattern che replica l’effetto spugnato acquisendo così organicità e dinamismo. L’effetto finale è un disegno che trova carattere e forza espressiva proprio nel minimalismo del black&white.

ARTHUR ARBESSER | WITTMAN – ICONA FLOWERS

Arthur Arbesser, nella sua seconda edizione di tessuti per Wittman, realizzata in collaborazione con il tradizionale produttore italiano Rubelli, presenta FLOWERS, un tessuto che racconta storie con grafiche disegnate a mano. I tessuti esclusivi di Arthur Arbesser x Wittman trasformano i mobili nei protagonisti assoluti del soggiorno, creando con le loro stampe espressive una singolare atmosfera.

Ogni fiore e ogni elemento di design è stato dipinto a mano su carta colorata, prima di essere digitalizzato per creare il motivo finale.

La collezione di tessuti ICONA FLOWERS sarà disponibile in due diverse varianti: FLOWERS Bianco o FLOWERS Nero.

Sice Previt, storica impresa di costruzioni italiana che integra al proprio interno anche la produzione di arredi, invita a visitare la mostra Building Innovation che racconta storia e qualità dell’azienda e presenta il nuovo tavolo SP_zero, destinato per la prima volta al pubblico, interamente progettato e realizzato nel suo stabilimento di Segrate.

Dal 6 al 25 aprile, dunque anche per tutta la durata del Fuorisalone, Sice Previt sarà presente con la mostra Building Innovation al Museo Nazionale Scienza e Tecnologia di Via Olona 6. 
Ampio, ricco di contenuti e interattivo, il percorso espositivo,progettato dallo studio milanese Giò Forma, accompagnerà il visitatore all’interno della storia aziendale, dal 1961 ad oggi, proponendo nell’area di ingresso una time-line delle tappe più importanti della sua evoluzione. Il percorso esplicativo, organizzato con pannelli grafici e video informativi, prosegue nell’area

Building&Community dove appositi monitor a parete evidenzieranno i progetti e le sfide architettoniche più significative realizzati in Italia e all’estero. L’area Interior darà spazio a una “materioteca”, un’isola centrale bifacciale contenente i materiali e le finiture utilizzate dall’azienda mentre il Teatro dell’Innovazione presenterà il progetto di ricerca sul tema del tavolo con il prototipo di SP_zero, le cui forme, modellate dalle leggi della statica si trasformano in elementi domestici che sfidano la gravità. Sice Previt si affida ad una combinazione unica di intelligenza industriale e competenza artigianale. 

Alle impronte delle abili mani delle maestranze coinvolte nei diversi reparti produttivi, sia di avanzata tecnologia e robotica che artigiana, è dedicata la sezione Smart hands. La mostra termina con un ultimo pannello dal titolo Work whit us – Costruisci con noi: un invito a unirsi a una realtà sempre attenta a investire sulla crescita di chi desidera partecipare alla costruzione di qualcosa di bello che rimarrà nel futuro.

SP_lab, il laboratorio di design sperimentale di Sice Previt presenta il nuovo tavolo SP_zero.
Nato nel 2020 in seno a Sice Previt, società di costruzioni edili e arredi di alta gamma fondata nel 1961 e già affermata in tutto il mondo, il laboratorio di design sperimentale SP_lab, ha avviato un importante progetto di ricerca nel settore del mobile che affonda le radici nella cultura del design milanese. Il logo SP_lab identifica oggi un marchio di qualità di una linea di design sperimentale firmata Sice Previt, completamente realizzata all’interno dello stabilimento. Primo elemento della collezione nascente, il tavolo SP_zero, indaga la geometria e i materiali. Estrema sintesi di arte e ingegneria, quasi a voler sfidare le leggi della statica, abbina una struttura composta da nervature orizzontali e gambe rastremate in marmo, legno o ferro, a un piano proposto nelle quattro versioni in vetro trasparente extra chiaro, marmo di Calacatta arabescato e legno di rovere o iroko, nelle misure di cm 300×120. Il design architettonico di grande leggerezza formale risulta ideale per una zona pranzo importante, di gusto contemporaneo. La collezione SP_lab si arricchirà presto di altri elementi d’arredo generati dall’arte dell’ingegnerizzazione, alla costante ricerca di nuove espressioni formali e della perfezione esecutiva.

In occasione del Fuori Salone, Malìparmi presenta nella boutique di via Solferino 3, in Brera, la designer polacca Małgorzata Truszkowska e il suo progetto “Plastic Soul – Windy Fields”.

Il progetto “Plastic Soul” – composto da Windy Fields, Sea Waves, Mountain Shadows – offre un modo potente per parlare della natura, vittima dell’abuso della produzione di plastica.
Le installazioni sono realizzate riciclando bottiglie di plastica recuperate, a volte ammaccate e schiacciate, normalmente considerate rifiuti irrecuperabili. Tali rifiuti continuano a ricoprire quotidianamente il nostro pianeta, soffocando campi, montagne e mari.

Dopo uno studio del materiale e numerosi esperimenti, la designer ha creato un’immagine multisensoriale del paesaggio, la cui forma circolare rimanda al nostro pianeta. Grazie a luci sincronizzate, “Windy Fields”, presente al Fuori Salone, diventa un vero campo, ricco di vegetazione che si muove armoniosamente al vento. Per completare questa magica atmosfera fatta di ombre in movimento, un sottofondo di suoni ispirati alla natura ha l’effetto di confortare, calmare e invitare alla riflessione sull’uso eccessivo e sullo spreco della plastica, spesso ancora inconsapevole. Creata appositamente dalla designer per catturare la nostra attenzione, questa atmosferamisteriosa è tuttavia un’illusione: in realtà, l’installazione è interamente realizzata con rifiuti di plastica che rimarranno sul nostro pianeta per molto tempo.

“Windy Fields” è un invito ad evitare l’uso eccessivo, quotidiano di materiali non sostenibili e a cercare di trasformare quelli che già esistono in bellezza. Il messaggio è rivolto anche ai progettisti, che hanno la possibilità di prevenire tali eccessi e proporre soluzioni alternative, innovative e sostenibili, al fine di promuovere uno stile di vita diverso, in armonia con la natura, progettando con consapevolezza e responsabilità.

Tornando alla parola chiave del Fuori Salone 2023, questo lavoro ci ricorda che la coscienza ambientale può influenzare, cambiare e ridisegnare il nostro FUTURO.

Dal 17 al 22 aprile l’installazione sarà presente presso la boutique di via Solferino 3 a Milano.

In occasione della mostra-evento di Interni 2023 presso l´Università degli Studi di Milano, è stata presentata ieri l’installazione ‘Farfalle’ –  LABO.ART cheinterpreta con sobrietà ed eleganza il tema Design RE-EVOLUTION attraverso la metafora dell´evoluzione di organismi semplici. Il bruco che diventa farfalla, che vuole evocare il passaggio dalla semplicità alla complessità.

Ludovica Diligu, Designer e Founder del brand LABO.ART, ha scelto per questa installazione una vasta scala cromatica che vuole inseguire ed emulare la meraviglia naturale dell’arcobaleno.
‘Un capo iconico di LABO.ART in quest’occasione diventa in un’installazione che racconta la trasformazione, quella dall’essenziale al complesso’ – afferma Ludovica Diligu.

Dal 18 aprile ha aperto al pubblico Future Impact, la mostra a cura di Tony Chambers e Maria Cristina Didero promossa dal DesignSingapore Council, che illustra e celebra l’impatto positivo del future-thinking design sulla nostra vita quotidiana; in esposizione fino al 23 aprile 2023, presso Casa del Pane, Bastioni di Porta Venezia. Future Impact nasce dalla volontà di mostrare Singapore come un hub di innovazione e creatività dove inedite soluzioni di design e tecnologia si fondono per dare forma a un domani più luminoso per tutti e a una società più rispettosa e inclusiva, enfatizzando l’importanza e l’urgenza che il ruolo della sostenibilità assume oggi, nel design e nella produzione. I curatori e DesignSingapore Council, l’agenzia nazionale di Singapore per il design, hanno invitato i più talentuosi e promettenti designer di Singapore a rivelare la loro visione per un futuro migliore. Soluzioni di design all’avanguardia derivanti dall’utilizzo di tecnologie inedite e da un pensiero creativo, poetico e ottimistico sono state create dai sei designer protagonisti del progetto: Forest & Whale, Viewport Studio, Gabriel Tan, Nathan Yong, Studio Juju e Tiffany Loy.  
Future Impact presenta sei nuove opere, esposte nella storica e iconica location Casa del Pane (bastioni di Porta Venezia) che, nel 2025 sarà la nuova sede del Museo dell’Arte Digitale. Una cornice perfetta per la mostra che con la sua atmosfera drammatica permette ai designer e alle loro opere di interagire con il passato progettando il futuro. Tony Chambers, co-curatore della mostra dice, “Singapore è da molti anni terra del design progressista e sono lieto di contribuire a diffondere questo messaggio a un pubblico internazionale durante la Milano Design Week. Sono fiducioso che Future Impact lascerà un’impronta positiva e duratura.” 
“La scena del design contemporaneo di Singapore si caratterizza per lo spirito innovativo e futuristico. Singapore, il cui background culturale, sociale e politico si distanzia dall’Asia, ha saputo costruire un suo scenario culturale indipendente e florido e ha scelto di celebrarne i risultati presenziando alla Milano Design Week 2023 con un’esposizione che mostra la lungimirante abilità dei suoi designer nel connettere i prodotti più sostenibili e innovativi con le ultime tecnologie disponibili. La partecipazione di sei dei più importanti studi di Singapore, con opere e progetti mai visti prima, rende la mostra Future Impact un’incredibile opportunità per scoprire nuove prospettive e visioni e per immaginare il nostro futuro” afferma la co-curatrice Maria Cristina Didero. Dawn Lim, direttore esecutivo di DesignSingapore Council dichiara “Singapore è conosciuta come una città futuristica e visionaria.
Il nostro design ha un’inclinazione creativa, innovativa e trasformativa, vuole essere impattante per migliorare la vita, le città e il mondo. DesignSingapore Council è orgoglioso di presentare Future Impact e i suoi lungimiranti designer alla Milano Design Week. Le loro opere rappresentano il modo attraverso cui il design di Singapore può contribuire positivamente a questioni come la sostenibilità, l’artigianato e il ruolo della tecnologia nel design.”